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CRÍTICAS

Anderson .Paak – Oxnard

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Tras el lanzamiento de Malibu en 2016, y su posterior aparición en el Tiny Desk de NPR junto a los Free Nationals, Anderson .Paak se convirtió en el artista del que hay que hablar. Tras el fallido debut con Venice, el éxito de su segundo disco lo catapultó a la cima de los charts, no sólo de hip hop y R&B, sino globales, permitiéndole ser cartel de importantes festivales tanto de su país natal como también internacionales. Recordada en la memoria de miles de jóvenes quedará su presentación en el Lollapalooza 2017 y su side show en el Teatro Vorterix, donde también se pudo observar a una Nathy Peluso todavía en ascenso, sin ser tan reconocida en el ámbito local.

Con mucho silencio de parte del californiano, de a poco la prensa y los fans comenzaron a recibir señales de lo que sería su próximo trabajo, “el álbum que soñó hacer desde que estaba en la preparatoria”, según dijo en una entrevista a la  Rolling Stone. Así, .Paak se unió junto a Dr. Dre y juntos dieron vida a Oxnard, un disco de cincuenta y seis minutos que repasa, a lo largo y a lo ancho, las distintas influencias y estilos que marcaron al músico y le brindaron su sello único y característico, pero que entre canción y canción no pareciera tener un hilo conductor bien definido y termina resultando en un frankenstein musical al que le sobran canciones.

El disco arranca con The Chase, una canción cargada de arreglos vocales, mezclada con vientos a lo Peter Gabriel y una guitarra de Chic que rellenan el ambiente a medida que la voz de .Paak irrumpe en el campo sonoro. En segundo lugar llega Headlow, un tema que habla del encuentro con una trabajadora sexual en la I-95. “Mejor mantengas tu cabeza abajo”, repite una y otra vez el estribillo para dar paso a Tints, el primer single del disco junto a Kendrick Lamar.

Hasta el momento, el disco resulta en armonía, pero cuando llega el turno de Who R U esta se pierde y comienza cierta confrontación. Por momentos, Oxnard resulta muy groovy y soulero, pero por otra parte también se acerca demasiado a un rap sucio y oscuro que discrepa bastante con la línea que pareciera plantearse al inicio.

Ejemplo claro de esto es 6 Summers, donde en una misma canción  podemos encontrar dos géneros muy  definidos. Al principio un rap de protesta cargado de mucho contenido hacia Donald Trump, el consumismo y la violencia: “Es difícil soportar el asesinato a sangre fría. Es más fácil conseguir una nueve milímetros”. Que después vira hacia una base mucho mas suave y refinada con arreglos de teclado y de percusión.

En Saviers Road, .Paak mezcla un riff de guitarra afrolatino con arreglos corales al mejor estilo Kanye West en The College Drop Out, dejando claras sus influencias durante la preparatoria, para después pasar por una base de Smooth Jazz perfectamente ejecutada en Smile/Petty.

Pero si el álbum pareciera retomar su fórmula, de repente irrumpe Mansa Musa, una canción que pareciera venir de otro disco, de ese al que pertenecía Who R U, más parecido al olvidado Venice que a Malibu. El noveno en la lista es Brother’s Keeper, con una colaboración bastante acertada por parte de Pusha T, un tema que funciona como dínamo a casi tres cuartos del disco.

En décimo lugar se encuentra Anywhere, una soberbia colaboración entre .Paak y Snoop Dogg, y uno de los grandes aciertos por parte de Dr Dre, que logran confluir en una sublime conjunción entre un viejo beat noventero y la nueva costa oeste. Acá el disco pareciera encontrar sus bases nuevamente, Trippy arranca con un arreglo coral adornado por un palo de agua y un riff de guitarra que dan paso a una contundente línea de bajo que comulga bien con el resto de los arreglos y la voz de J. Cole.

Casi al final del álbum se encuentra la que quizás sea la mejor composición de la placa, o al menos la mejor lograda y ejecutada. Cheers lo tiene todo, vientos, una guitarra funky, .Paak aullando Yes Lawd! e incluso una colaboración de Q-Tip. Resultaba el cierre perfecto, pero entonces llegan Sweet Chick y Left to Right, dos temas que, si bien tienen lo suyo, resultan olvidables y terminan por restarle calidad al resto del álbum, alargando innecesariamente el cierre de la obra.

Aún así, tras dos años de silencioso trabajo, .Paak sacó a la luz un disco que logra satisfacer las expectativas inmediatas. Dejará grandes hits, como Tints, y grandes colaboraciones, como Anywhere, pero otros temas pasarán al olvido y serán salteados y dejados de lado en las listas de reproducción, dejando en claro un grave problema de consistencia en la producción de Dre y un interesante desafío hacia el futuro.

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CINE Y TELEVISIÓN

Breaking Bad tendrá su secuela

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Ayer se conoció la noticia del lanzamiento de la película de Breaking Bad. El film comenzará a rodarse entre noviembre y febrero del año que viene en el estado de Nuevo México y va a ser una secuela, que se va a centrar en el personaje de Jesse Pinkman, interpretado por Aaron Paul.

El 29 de septiembre de 2013 se emitió el último capitulo de la serie Breaking Bad calificada como una de las mejores series televisivas de todos los tiempos. Cinco años después, Vince Gilligan, creador y productor de la serie, confirmó que en este mes comenzará el rodaje de la continuación, pero que será un largometraje.

La película se va a centrar en el personaje de Jesse Pinkman, que en el final de la serie tuvo un final inconcluso, y va a ser interpretado por el actor Aaron Paul. Además, se cree que el actor Bryan Cranston, quien interpretó Walter White, aparezca en la cinta.

El rodaje de la cinta comenzara este mes y continuará hasta febrero de 2019. Además, será ambientada y producida en Albuquerque, estado de Nuevo México, lugar utilizado para la grabación de la serie.

Según el portal de noticias Collider, el nombre tentativo del film sería Greenbrier y tendrá una duración aproximada de 120 minutos.

Hay que recordar que en 2015 se lanzo Better Call Saul, una serie spin off del universo de Breaking Bad, que continua en emisión y se centra en la vida pasada del abogado Saul Goodman. 

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DISCOS

Arctic Monkeys: Tranquility base hotel and casino

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Crecer, es un miedo que todos tienen pero que tarde o temprano hay que enfrentarlo. A veces soltar es difícil, pero cuando un artista o una banda logra superar etapas el resultado permite ver su obra bajo otra perspectiva, y cuando esa banda son los Arctic Monkeys, los efectos se duplican.

La primera frase de Tranquility base hotel and casino marca cierta intención. “Yo quería ser uno de los Strokes, mirá el desastre que me hiciste hacer, ahora hago dedo con mi portafolio”. Casi a juego con el estilo que marcó las primeras fotos de este trabajo con Turner vestido como conductor de taxi de la década de los ‘50.

El sonido de este tema, Star Treatment, es tranquilo, completamente alejado de la imagen que los Monkeys estaban acostumbrados a marcar. Atrás quedaron las épocas de Whatever people say that I am, thats what I’m not. Despuntes de Bowie se pueden sentir a lo largo de todo el disco, pero en esta canción es dónde están más audibles. La voz de Turner se transforma en algo viejo, cansado, que canta con el mismo estilo que El duque blanco en Blackstar y The next day.

Le sigue One point perspective, que está atravesada por un piano en loop que se asemeja a la música de un carnaval. Acá es quizás el punto donde Turner hace más juegos con su voz. Los rulos mientras canta ‘Espera un segundo que perdí el tren del pensamiento’, es uno de los mejores momentos de la obra. La batería de Helders, para sorpresa de nadie, está completamente afilada marcando los ritmos de la banda como siempre, aunque en esta ocasión tanto él como O’Malley están en el fondo, sin sobresalir demasiado.

La transición a American sports es quizás la que más recuerda a AM. Es limpia y, si no prestás atención, se siente como si One point perspective hubiera entrado en una especie de “segundo arco”, ya que ambas canciones mantienen entre sí cierto lineamiento estético. Suena un clavicordio en loop que marca un sonido muy interesante y que se repetirá un poco en el tema siguiente Tranquility base hotel and casino

Como si Star treatment no dejase en claro las influencias de Bowie, tiene mucho del “beboteo” que popularizó el duque blanco, aunque su razón, más que estética, era que su voz ya estaba vieja. En esta ocasión los Arctic hacen un tema que es de lo más único.

Si Tranquility base era único en cómo está armado, Golden Trunks es único en el sentido que no se entiende que es lo que quiso hacer. La voz y las guitarras van en dos direcciones completamente opuestas. En cierto punto, recuerda a un grupo de amigos cantando borrachos en un karaoke o el disco de Captain beefhart, Trout mask replica.

No obstante el trabajo vuelve sobre sus rieles con Four out of five. El riff de guitarra en este tema es uno de los más centrados que tiene la obra. Se siente parte de la canción, y permite que funcione. El final es un crescendo con la frase que se repite todo el tiempo, que recuerda a los primeros trabajos de la banda de Turner pero sin caer en la nostalgia.

El piano vuelve a aparecer en The world’s first ever monster truck front flip, que tiene uno de los mejores nombres del disco y también es de las más reconocibles. El formato se asemeja a una balada romántica. Acá es uno de los puntos más Artic Monkeys del Tranquility, aires de Suck it and see. La voz y las guitarras se compenetran perfectamente con el piano, dando como resultado a un tema redondo.

She looks like fun es la última cancion para arriba. La frase se repite como estribillo acompañado de un mini riff que suena conocido pero nunca se termina de descifrar de dónde. Este es el principio del final, que está seguido de Batphone, otro tema que se siente como relleno y Ultracheese, una balada de piano que es una especie de adiós, un cierre perfecto para un disco que a pesar de sus varios problemas logra encontrar una identidad propia diferente de lo que estábamos acostumbrados a escuchar de esta banda.

Tranquility base hotel and casino es una obra más madura que sus antecesores. Claramente se ve que la banda de Sheffield cambió en estos cinco años que separan a este trabajo de AM. Las relaciones son otras y las personas detrás de la composición y los instrumentos son radicalmente diferentes a aquellos adolescentes que te invitaban a bailar con I bet that you look good on the dancefloor o Fake tales of San Francisco.

Este cambio ya se notaba en AM pero en esta ocasión, y por los años de silencio del grupo que parecía haber tomado caminos diferentes -Turner sacó un trabajo de The Last shadow puppets y Helders se sumó a Fertita y Homme de Queens of the stone age para el álbum Post pop depression de Iggy Pop.

Tranquility base hotel and casino es una obra que realmente los encuentra en un extraño momento personal y la realidad es que ellos logran aprovecharlo muy bien. Solo son algunos temas los que se sienten fuera de lugar, pero realmente sacan al oyente del estado que marcan las grandes canciones. Un disco con fallas pero que a pesar de todo marca un antes y un después en la historia de los Arctic Monkeys.

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CINE Y TELEVISIÓN

Perdida de Alejandro Montiel

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Foto: Cortesía Buena Vista

Pérdida, tarde o temprano, en mayor o menor medida, todo el mundo se la encuentra. Todos tienen diferentes maneras de lidiar y a veces tardan años, incluso décadas para que cierren y cicatricen las viejas heridas. De esto trata Perdida, la nueva película de Alejandro Montiel, uno de los guionistas de Abzurdah que vuelve a sentarse en la silla del director luego de cinco años.

Cinco chicas muy amigas viajan a La Patagonia en un proyecto escolar. Durante la noche, una de ellas, Cornelia, se pierde y la investigación policial llega a un alto luego de que las cenizas de un volcán cercano inunden la periferia de donde se encontraban.

Luego de un salto temporal de 16 años nos encontramos con Manuela (Luisana Lopilato), la mejor amiga de la chica desaparecida, quien se hizo policía y ahora es detective en la sección de trata de personas. En el aniversario de la desaparición de su amiga, un obituario extraño en el diario y la insistencia de la madre de Cornelia que nunca perdió la esperanza de encontrarla, se encontrará con un caso que quizás no estaba tan cerrado como todos creían.

La trama del film no se aleja para nada de una plot convencional de policías. Los personajes, a esta altura un poco gastados, son clichés. La policía con un pasado complejo y que no juega por las reglas, su compañero con el que hay cierta tensión sexual y el jefe del recinto quien la adoptó bajo su ala y es una figura paterna. La historia sigue un patrón de intrigas lleno de plot twists que realmente está bien construidos pero que no se sienten tan sopresivos como el la película quiere creer. La vuelta atrás en el tiempo mediante flashbacks de esa noche sirve como un recurso muy bien llevado a cabo y que demuestra cierta proeza del guión que, si bien tiene algunas fallas menores, permite a la película hacerse entretenida.

Con las actuaciones sucede lo mismo. Si bien no están mal, con una grosera excepción de un papel secundario menor que un poco saca de clima al espectador, tampoco brillan. Quizás quienes más pulidos se sienten es la española Amaia Salamanca, quien tiene el personaje más profundo del film y realmente lo hace resaltar.

La fotografía del film es bastante buena y logra transmitir esa sensación de opresión que intentan traer las historias de ese estilo. La luz tenue y apagada, que juega con el azul y blanco de la nieve, genera un sentimiento de depresión que tiñe a la película y que, debido a la trama sombría y al poco respiro que le da a sus personajes, a veces extiende su estadía un poco, de manera cansadora.

La realidad es que Perdida no es una mala película pero tampoco es una buena película. Es un film entretenido y sencillo que no le exige mucho al espectador. Si bien sus personajes y su trama son clichés, funcionan bastante bien. Tiene fallas e inconsistencias, como todas las películas, pero eso no la hace mejor ni peor. Una película que, si no hay nada para ver, realmente es una opción más que interesante.

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