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ENTREVISTAS

Cultura Profética: “El mundo entero está preparado para despenalizar la marihuana”

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Los 20 años que cumple Cultura Profética no pasaron en vano  en la escena local . Permanecer vigentes en medio de los cambios culturales y de la industria musical, requiere trabajo duro para reinventarse a través del tiempo sin perder la raíz. Willy (voz), Boris (batería) y Eliut (guitarra) desarrollaron lo que consideran un semillero de músicos, lograron preservar sus ideales durante dos décadas de trayectoria y nunca corrieron el foco de su objetivo: transmitir un mensaje claro para su público.

El viernes 22 se presentarán en el Estadio de GEBA junto a Dread Mar I, que también celebra 10 años de carrera artística. El show mostrará en el mismo escenario dos enfoques distintos del reggae: uno comprometido con la realidad y el cambio social; y otro enfocado en la parte más emotiva del ser humano. Antes de esta presentación, Boris Bilbraut charló con Stereo sobre cómo ha sido el proceso formativo de Cultura Profética, su crecimiento en Puerto Rico, y su postura a favor de la despenalización de la marihuana.

¿Cuál crees que es la clave para mantenerse vigentes luego de tan extensa trayectoria?

Lo más importante es haber mantenido la base por más de veinte años. Eso nos ha hecho sobrevivir a los cambios musicales y de la industria, sobretodo al azote mundial del reggaeton que se originó en nuestro país. También ha sido gracias al mensaje que transmitimos. La gente busca una expresión y algo que los represente y nuestras líricas están enfocadas en eso.

En estas dos décadas, Cultura Profética ha modificado varias veces su formación original. ¿Cómo se vive la renovación de artistas dentro de la banda?

Es evolutivo. Cultura se ha convertido en un taller escuela para músicos en la isla. Siempre lo hemos sentido bien porque le da otro sonido y diversidad al grupo, además de ayudar a otros artistas a su desarrollo musical. Hemos tenido gente que empezó con nosotros y ahora tocan con Marc Anthony o Ricardo Arjona. Hay otros con más trayectoria pero que les falta la experiencia de estar con Cultura y a ellos también se les abren las puertas.

La industria musical de Puerto Rico está más próxima a géneros musicales como la salsa y el reggaeton. ¿Cómo puede una banda tener presencia local con un estilo como el suyo,  tan poco explorado en el país?

Antes de sacar nuestro primer álbum,  estuvimos tocando en bares, festivales y abriendo conciertos. Eso originó una estabilidad tanto al nombre como a la banda en la escena callejera. Cultura acaparó la atención de todos los artistas de Puerto Rico y entendieron que íbamos en serio. Aún así, nunca tuvimos que combatir con otros géneros, porque cuando estaba surgiendo el reggaeton, por ejemplo, había una escena de reggae fuerte en la isla. Nosotros ganamos el respeto de todos los artistas porque los conocemos desde hace mucho.

¿Por qué eligieron a Dread Mar I para acompañarlos en su gira aniversario?

Creo que son contrastes que vale la pena experimentar. Nos pareció muy bien que Mariano abra los shows, sobretodo porque vimos una reacción positiva del público y transmite un mensaje distinto al nuestro. Nuestras letras son más sociales y tenemos un público que es consciente de lo que pasa en el planeta. En cambio, Dread Mar I tiene una temática más amorosa y es respetable porque es una visión súper nítida, además que su puesta en escena es magnífica.

¿Qué vamos a ver el viernes en el recital en Buenos Aires? 

No quiero adelantar mucho, pero hay sorpresas para el público argentino. La banda está en una evolución musical muy bonita, tenemos músicos nuevos.  Siempre que venimos a Argentina tratamos de hacer shows piloto y probar cosas nuevas. Estoy seguro que va a estar muy bueno.

¿Creés que Argentina está preparada para la despenalización de la marihuana?

El mundo entero está preparado. La marihuana es la única planta que no se procesa. Hay gente que lo hace con otro tipo de químicos para que tenga otras reacciones en el cuerpo, pero si se despenaliza, el autocultivo ayudaría a que la gente la consuma de manera natural. Legalizarla sería lo perfecto, que cada quien use la planta como quiera, Además está más que confirmado que cura el cáncer y un montón de enfermedades. Así que en vez de darle el crédito a las farmacéuticas, hay que comenzar a dárselo a la tierra.

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CLUBZ: “El reggaeton y el trap pusieron de moda al español en Estados Unidos”

Bad Trumpy.

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El Lollapalooza Argentina se prepara para su quinta y más importante edición. En tres días, más de cien bandas tocarán en el festival y muchas de ellas debutarán en el país, entre ellas la mexicana Clubz. El dúo compuesto por Orlando Fernández y Coco Santos presentará su segundo disco, en el cual están trabajando desde 2014 y saldrá en pocos días, el primer día del festival.

El grupo es la fiel muestra de que el movimiento del indie se da de manera simultánea en toda Latinoamérica, sus sonidos pop no difieren mucho de los que inundan los antros porteños todos los fines de semana. Sin embargo, la propuesta de Clubz logra innovar con retoques de la cultura mexicana combinadas con influencias como la de Daniel Melero o Gustavo Cerati. Quizás del líder de Soda Stereo absorbieron su parte más detallista y obsesiva sobre el trabajo: “Hay cosas que no nos gustaron y lo volvimos a rehacer. Lo grabamos en diferentes partes: Ciudad de México, Monterrey, Los Ángeles“, comentan sobre el disco y agregan que “es una mezcla de cosas que hicimos en el transcurso de estos cuatro años“.

Popscuro y Afrika (adelantos de su nuevo disco) representan un cambio de sonido en la banda desde el último lanzamiento ¿Cómo encararon esa transformación?

Nosotros nos cansamos muy rápido de todo lo que hacemos. Nos emocionamos con un género o un instrumento y una vez que ya lo publicamos ya estamos en mentalidad de encontrar qué es lo siguiente que nos va a sorprender y a emocionar a hacer algo nuevo. Texturas venia con una base de guitarras, jugar con cajas de ritmo, ritmos muy motóricos, de cuerdas sencillas, con melodías agradables pero con muy poca letra. Teníamos influencias mezcladas con bandas de la movida, por ejemplo Los Encargadosde Argentina. Ahora con Áfrika, Popscuro y todo lo que viene en el nuevo álbum empezamos a componer a base de sintetizadores, en vez de a base de guitarras.

Son muchas las bandas argentinas que consideran tocar en México como una consagración para su carrera ¿A las bandas mexicanas les pasa lo mismo con Argentina?

Es increíble, la verdad es que nunca imaginamos que íbamos a tener la oportunidad de salir de México porque a la banda la hicimos muy inocentemente. Viajar es una experiencia que te enaltece el conocimiento además de ser muy divertido y que es lo que nos gusta hacer. Hay un aprecio importante del mexicano hacia las bandas argentinas. Creo que esto empezó desde los ochenta con Soda Stereo. Sobre todo hay una fuerte influencia del rock and roll y siempre buscan estar innovando, son muy creativos. Siempre están tratando de ver qué es lo que sigue, tanto del lado del rock y ahora últimamente también con el pop. Hace poco estuvimos con los chicos de Indios en la ciudad de México, coincidimos también con ellos en un festival en Guadalajara.

Como banda nunca tocaron en Argentina ¿Qué esperan del público de Buenos Aires?

Es como una ciudad europea en latinoamérica. Hace diez años fui de intercambio y estuve siete meses. Tengo conocimiento de Buenos Aires, Mar del Plata, Rosario, Córdoba, Bariloche. Ahora que iremos en marzo me emociona volver como músico. Eso es muy loco porque la verdad nunca lo hubiera pensado. Cuando estuve en 2007 tuve mucha suerte porque me tocó la visita de muchas bandas que a mi me gustaban. Por ejemplo recuerdo de ir a ver The Rapture, Phoenix en la Trastienda, Arctic Monkeys en el Luna Park y también el reencuentro de Soda Stereo en el Monumental, fue muy loco. Conocí también la música de Emmanuel Horvilleur y me gustó mucho lo que hace; fue el año en el que salió el disco Mordisco.

 

En una época donde Donald Trump es presidente de los Estados Unidos y promete levantar un muro con México ¿Cómo reciben su música en el país yanqui?

Cuando tocamos en el Ruido Fest de Chicago recibimos muchísimos comentarios de personas para que volvamos, tenés que ir creciendo conforme vayas visitando cada ciudad o país. Hay muchísimo mexicano y latinoamericano en Estados Unidos, creo que es una época en la que el español está de moda y se va dando un  crecimiento de la música latina, eso se debe al movimiento del reggaeton y el trap. Al final eso nos conviene a todos para que sea más normal escuchar música en español. A nosotros nos gusta hacer música sin fronteras, música global.

¿Logran esa globalización?

Hace poco nos buscó una discográfica francesa que quieren que los visitemos y formemos parte de su equipo. También nos invitaron a un festival en Estonia, no pudimos ir pero esperamos que nos vuelvan a invitar. Esperamos que la música siga por ese camino ¿Por qué no cantar en español y que lo disfruten en Francia o Estados Unidos?

Luego de agotarse todas las entradas para el viernes 16 y las preventas del sábado 17 y domingo 18 de marzo, Lollapalooza Argentina anunció que quedan en venta los últimostickets disponibles para el segundo y tercer día del festival que se llevará a cabo en el Hipódromo de San Isidro por quinta vez consecutiva.

A días de haberse vendido todas las entradas para la primera jornada del festival, día en el que estarán Red Hot Chili PeppersImagine dragonsChance the rapperCamila CabelloAnderson .Paak & the free nationals y Royal blood, entre otros;  desde el Lollapalooza se anunció que sólo quedan algunos tickets disponibles para el sábado 17 y domingo 18 de marzo. 

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Mitú: “La música tiene que ser fiel al individuo”

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Pongámonos a tocar y veamos qué pasa”, fue el puntapié inicial por donde empezaron hace casi 10 años los colombianos Julián Salazar y Franklin Tejedor. Uno fanático de los sonidos electrónicos, el otro percusionista de San Basilio de Palenque, un lugar con una gran herencia musical africana. De ahí nació Mitú, el punto de encuentro entre la selva y la ciudad, entre tambores y sintetizadores, entre tradición y modernidad.

Hoy sus sonidos han recorrido el mundo y han convergido en tres álbumes: Potro (2012), Balnear (2014) y Cosmus (2017), editado mediante el sello discográfico argentino ZZK Records. Desde sus comienzos, la puesta en escena ha cambiado constantemente, pero siempre manteniendo la esencia de su música que traerán este 16 de marzo al Lollapalooza, donde compartirán fecha con Red Hot Chilli Peppers, Imagine Dragons y Chance The Rapper, entre otros.

¿De dónde surge el término “Techno de la selva”? 

Julián: Es un término que elegimos en un momento porque fue necesario ponerle un nombre a lo que hacíamos. En realidad, a mí me molesta tratar de describir la música, pero quisimos inventar un término para saciar esa necesidad de ver cómo catalogarnos. Me encanta el sonido propiamente y los timbres de la naturaleza, siempre hay intenciones de recrear eso con sintetizadores, con máquinas, pero no es lo único a lo que apuntamos con nuestra música.

¿Quiénes fueron sus mayores influencias?

J: De la parte electrónica, Underworld, The Chemical Brothers, desde la parte más armónica me encanta Sun Ra. De la parte local o colombiana, grupos de Palenque, como Las alegres ambulancias, grupos estrictamente de folclor, de raíces africanas, que tuvieron la ventaja de no haber sido corrompidos, sino que se han podido mantener al margen de cierta contaminación mundial.

¿Hubo en Mitú algún objetivo de conservar esas raíces de música folclórica?

J: No nos propusimos perpetuar nada, simplemente es la música que queremos hacer. La música va ligada directamente a un individuo, que sufre unas emociones y que es parte de una especie que va hacia algún punto. Entonces, ese individuo no tendría por qué padecer las mismas emociones que tuvo alguien hace 50 años, no son suyas, no tiene sentido recrearlas. Si la música carece de emoción, no te genera nada y es porque a la persona que la está haciendo tampoco le pasa nada, es simplemente el tecnicismo de recrear algo. La música tiene que ser fiel al individuo, que siempre está en un constante camino. Está ligada a una transgresión, a corromper algo para poder crear algo nuevo. Así fue siempre su naturaleza. El tango no fue puro desde su concepción, hubo alguien que corrompió el uso de un instrumento y el ritmo de un género. Todos los géneros son eso, alguien que lo quiso hacer diferente.

¿Qué tantas emociones tuyas tiene el último álbum, Cosmus?

J: Lo siento como el mejor trabajo que hicimos, es el más depurado. Es bueno tener esa sensación, aunque uno es un poco ciego al juzgar lo propio. Ese disco se hizo durante la gestación y el nacimiento de mi hija, entonces es un poco ella, las impresiones que me daba estrenarme como padre.

Su música es en el mayor de los casos instrumental, con excepción de algunos temas que incluyen voces ¿Cómo es el proceso del armado de las canciones? 

J: Siempre empiezo por la música, que es mi lenguaje preferido, ahí trato de reflejar todo lo que me está pasando y lo que quiero decir. Cuando la música está bien constituida, puede hablar por sí misma y representar algo, surge la necesidad de incorporar algo de lenguaje textual, que corresponde también a una emoción, a algo que necesita ver la luz o algún tipo de culminación. Se trata de poder sacarlo, que eso tome un rumbo y que no siga coexistiendo con uno para siempre, que se vuelva algo que uno puede apreciar y no afectarse más por eso. Tenerlo presente pero dejarlo ir de algún modo.

Después de haber tocado en varios festivales alrededor del mundo, ¿Cómo se preparan para su vuelta a Buenos Aires con el Lollapalooza 2018?

J: Estoy muy emocionado, me encanta tocar en Buenos Aires y creo que esta es la oportunidad ideal para hacerlo porque Mitú está en un muy buen momento, principalmente en sus shows en vivo. Estamos planeando algo diferente a lo que veníamos haciendo. Renovamos nuestro sistema de ejecución a la par que hacíamos Cosmus, después de este disco nos fortalecimos. Estamos tratando de adaptar los álbumes anteriores a las nuevas sonoridades para que el catálogo no sea simplemente algo nuevo, sino que podamos tocar un poco de todo lo que hemos hecho hasta ahora. Nos encanta tocar en festivales, siempre fue buena la recepción de nuestra música en todos los lugares que recorrimos. Como no tenemos tantas canciones con letras, sino que son más instrumentales, la barrera del lenguaje no existe y el público está más disponible a oír y a dejarse permear por lo que escucha.

¿Qué es lo próximo que se viene?

J: Este año seguiremos viajando y tocando nuestra música en distintos lugares del mundo. Antes del Lollapalooza vamos a estrenar el último videoclip de una de las canciones de Cosmus y, muy pronto, vamos a lanzar un nuevo disco, pero todavía no hay fecha definida ni puedo contar demasiado, aún lo estamos armando.

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#Lollapalooza

Isla de Caras: “Hay una federalización de la escena indie”

El género en las tapas de las revistas

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“Pasamos de ser un experimento en la computadora a una banda integrada por personas”, cuenta Lautaro Cura, quien arrancó con este proyecto musical haciendo canciones desde su casa junto con la ayuda de Sascha Karushima y Nicolás Teubal en la producción de los temas. Todo lo sólido se desvanece en el aire fue su primer EP y, curiosamente, llegó antes que la formación de la banda, ya que la armaron para “poder salir a tocar las canciones”.

Aspirando a ser más que solo sonidos programados por una máquina, Isla de Caras se encuentra ultimando detalles de su primer disco, grabado en un estudio. Tal como adelanta Lautaro, será “más bandero, orgánico y natural” además de estar compuesto por once o doce canciones. El primer show de presentación de este material será nada más y nada menos que el 18 de marzo en el Lollapalooza, compartiendo lineup con Pearl Jam, LCD Soundsystem y The National, entre otros.

Dentro de unas semanas tocan en el Lollapalooza, ¿cómo se están preparando?

Todos los días estamos trabajando desde las diez de la mañana a las diez de la noche en lo que grabamos, porque nuestra idea era tener un disco largo antes del Lolla. Pensamos que lo íbamos a tener para fin de año, pero se fue dilatando la grabación. Es un laburo heavy, porque hay mil maneras de hacer un disco. Podés llegar con los temas ya terminados o podés caer con las ideas de las canciones y después hacer un trabajo de post producción. Lo que estamos haciendo ahora es eso, laburar en el proceso de mezcla y de edición de todo el material que grabamos en Luján. También estamos esperando a que vuelva de viaje el batero, porque está grabando el disco con Bandalos Chinos, para ponernos a ensayar a pleno y llegar al Lolla chiche bombón.

¿El armado de este nuevo disco fue diferente a su anterior EP y singles?

Es distinto porque el EP lo grabamos antes de ser una banda real, es decir, primero vino Todo lo sólido se desvanece en el aire y después la banda, porque la hicimos para salir a tocar las canciones. Isla de Caras pasó de ser naturalmente un experimento en la computadora a una banda integrada por personas y así las canciones pasaron a tener otra dinámica. En un principio arrancaron siendo canciones que hacía yo a una banda real de cuatro personas. Ahora todo es más orgánico y de esta manera los temas ganan otra cosa que cuando los grabas con una computadora programando una máquina.

¿Con cuántos demos llegaron al estudio?

Fuimos con diez y pensando que íbamos a limpiar temas. Pero nos pasó lo contrario e incluso grabamos otro más ahí. Estemos entre doce y once canciones que, para los tiempos de hoy, es mucho.

¿Las nuevas canciones adquirieron otras influencias y sonidos trabajando en conjunto?

Si, va a haber un cambio de sonido importante, porque va a ser más real. El disco es un poco más bandero, más orgánico y natural. En cuanto a la banda, yo soy muy cancionero como el batero, a lo Indios o Luis Miguel. Pero al mismo tiempo el bajista, que es productor del EP, es re de la música electrónica. Entonces somos dos polos, la electrónica y la canción, y tratamos de sonar equilibrados.

¿Qué tienen pensado para la estética del álbum?

No cerramos la tapa del disco pero probablemente no tenga mucho que ver con lo anterior. Esa fue como una lotería, porque no teníamos tapa y nos quedaba un día para sacar el EP. Habíamos hablado con una artista que nos gustaba lo que hacía pero por alguna razón ni ella ni nosotros encontrábamos algo que nos gustara de verdad. Nos habíamos ido de viaje con unos amigos y decidimos reciclar alguna de las fotos del rollo de la cámara. Eramos tres en Berlín, uno extrañaba a la novia y se fue hasta París. Encontramos un pasaje barato a Rusia y fuimos. Alquilamos un auto y la foto de la tapa es en una escuela rural de un pueblo ruso en el medio de la nada.

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En cuanto a los prejuicios, que suelen aparecer en las redes sociales ¿Recibiste algún comentario mal intencionado ligado a lo familiar por tu mamá (Gabriela Michetti)?

No, calculo que eventualmente sucederá, porque sucede. Pero por ahora por suerte no.

¿Crees que el público del indie está más abierto a escuchar diferentes propuestas?

La gente está dispuesta a escuchar desprejuiciadamente, antes era quizás algo más competitivo. Pero más allá del público también en el indie hay un espíritu de colaboración. Por ejemplo yo llevo los temas a la compu de los Bröder que me hacen una linea de bajo, y después voy a lo de Ignacio Acevedo para que me grabe un sintetizador. Podemos ser dos bandas que no compartamos el mismo sonido pero llevarnos joya. Eso hace muy bien a la escena.

Siendo ustedes mismos una banda independiente, ¿cómo ves la escena actual?

Me parece que hace dos o tres años está pasando algo muy sarpado y que la gente volvió a ver bandas como hace un tiempo no se hacía. Antes quizás tenias que trabajar unos siete años o tener un sello piola que te banque para que le den importancia a tu banda. Nosotros tenemos un sello re independiente y nos pasó que sacamos el EP siendo sólo un experimento. Armamos la banda y a la tercera vez ya estábamos en Córdoba tocando en una fiesta. Eso antes no pasaba. Está muy buena la federalización de toda la escena, hay bandas en todas partes del país y eso le hace muy bien al indie.

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